Pascal Robert


2010/ 2011:

“Past Beyond Tomorrow”
Author: Aline Guberan, independent art critic

La superposition de mots et de sons dans le travail de Pascal Robert crée, à l’image de ses lignes, un interstice où la certitude d’une intention laisse place à l’exploration d’une interrogation. Si nous pourrions trouver sa formulation dans la question “D’où venons nous ? Que sommes nous ? Où allons nous ?”, Pascal Robert en explore les pistes dans un périmètre qui dépasse le champ de l’art.

Le rapport à l’univers, dans sa faille entre le moi et le monde, constitue le postulat de départ de l’artiste. Les frontières ordinaires attribuées à l’esprit humain dans sa faculté d’appréhender ce qui l’entoure se trouvent tour à tour questionnées et deviennent l’élément constitutif de la démarche de l’artiste. Avec une approche cosmologique aux dimensions métaphysiques assumées, Pascal Robert interroge par le biais du portrait les questions d’existence et d’identité dans un contexte où la linéarité n’existe que sur papier.

Si l’abstraction géométrique est omniprésente et que le lyrisme n’y a pas sa place, le rapport est inversé dans le processus de création . La rigueur ne sera pas scientifique mais spirituelle et émotionnelle avant tout. A travers le corps et l’esprit – le geste et la pensée – l’artiste trace patiemment ses lignes pour en extraire l’essence d’une expérience subjective qui donne naissance à un espace contemplatif. Entre écriture automatique et concentration,
acte méditatif et précision, le travail de Pascal Robert fonctionne à la fois comme une radiographie (Blackout), un électrocardiogramme (Past Beyond Tomorrow) ou une réanimation artificielle (Im Anfang) dans lesquels l’existence se construit et se retranscrit par un réseau de liens en une série de portraits emblématiques.

Relayé par la syntaxe de Past Beyond Tomorrow, cette grammaire de l’infini nourrit le travail de Pascal Robert et fait de l’intemporalité l’exception qui confirme la règle.

Aline Guberan, Novembre 2010

2009/ 2010:

First international Kempinski Fellowship in visual arts (Istanbul and Berlin)
Mentor: David Galloway, curator and art critic (ARTnews and International Herald Tribune)
Organization: Marylea van Daalen, Moscow

Some of the most accomplished and influential figures in the history of art are those who have pushed beyond the horizon in search of inspiration. One can think of J.M.W. Turner on his voyages from London to Venice or of Paul Gauguin’s stays in the South Seas as particularly dramatic examples. Such explorers encountered intensities of light and color that were not available in their own native cultures, and they often experienced rituals and customs and aesthetic attitudes that challenged or enriched their own. In his seemingly endless curiosity to experience other cultures and landscapes and peoples, the visual artist can be seen as an unofficial ambassador, but also as a pioneer in the move toward globalization.

David Galloway

Pascal Robert – First international Kempinski Fellow in visual arts

Born in Berne in 1978 to a French-Vietnamese father and a Swiss mother, Robert studied architecture in Berne from 1995 to 2000 and then concentrated on the visual arts from 2001 to 2007 at the Geneva University of Art and Design. He currently works in Geneva and Berlin but has proved especially resourceful in organizing projects that give him hands-on experience with other cultures – most recently in London and Maastricht, where he was invited to participate in group-exhibitions with works created in situ.

A major theme of Robert’s oeuvre is what he terms “the construction of individual identity,” along with the relationship between the individual and the collective consciousness. To cite only a single example, in a series of large, abstract portraits, the artist has entered into a sort of dialogue with the persons depicted and summarized the results in a collage of geometric structures that for him expresses the essence of the person depicted. The art critic Oliver Orest Tschirky has spoken of the results as “topographies of the self.”

Pascal Robert works in other media as well, including video and photography. The processes and practices of everyday life are often thematized here – once more, as an attempt to clarify the construction of individual identity. In what he terms “public interventions,” Pascal Robert has also explored changing family structures, and he has conceived a project for Porto Alegre, Brazil, entitled “What’s inside your luggage?” The latter addresses issued raised by migration and its shifting patterns. On the whole, this artist’s intercultural, interdisciplinary work, combined with his curiosity, makes him a deserving recipient of the first international Kempinski Fellowship in visual arts.

David Galloway, Mentor

July 16, 2009

Pascal Robert, the first international Kempinski Fellow in visual arts (Istanbul and Berlin)
Mentor: David Galloway, curator and art critic (ARTnews and International Herald Tribune)
Author: Oliver Orest Tschirky, independent curator and art critic

Pascal Robert – “Shapes of Existence”

December 12/ 13, 2009: Adlon Kempinski, Berlin
November 19, 2009: Ciragan Sarayi, Istanbul

“Istiklal Street Istanbul”, 2009, video still from colour video, 59min

Pascal Roberts Ausstellung “Shapes of Existence” ist eine Installation aus Zeichnungen, Video und Performance über die individuelle Wahrnehmung des Seins. Unter Einbezug der architektonischen Raumfolge macht der Künstler gleichzeitig auf poetische Weise den Erkenntnisprozess von Reflexion und Konklusion sichtbar. Der erste, kleinere Saal ist der „condition humaine“, der Bedingung der menschlichen Existenz gewidmet. Bei den beiden präsentierten Arbeiten handelt es sich um Bestandsaufnahmen über die „äussere“ Umwelt sowie über das „innere“ Ich. Das Video “Istiklal Street Istanbul” zeigt mit fixer Standkamera den Menschenfluss in einer Haupteinkaufsstrasse und Fussgängerzone von Istanbul. Unzählige Passanten demonstrieren die endlose Bewegung und den alltäglichen Fluss der Zeit. Die schlichte, aber stimmungsvolle Beobachtung der Menschenmassen in einer Stadt, die auf zwei Kontinenten liegt, ist entsprechend vielschichtig und hat ihr Gegenstück in einer Performance. Während der gesamten Ausstellungsdauer liegt der Künstler auf einem axial ausgerichteten Tisch und nimmt sich mit einem Stethoskop die Herztöne ab. Pascal Robert ist eine lebende Skulptur, lotet konditionelle Grenzen aus und nimmt dabei eine symbolische Vermessung der eigenen Existenz vor. Die Töne werden aufgenommen und für das Publikum hörbar gemacht, was dazu führt, dass der Körper entmaterialisiert und als Klang wiedergegeben wird. In dem durch eine temporäre Trennwand mit roten Türen abgetrennten Hauptsaal befindet sich das Ergebnis der Beobachtungen, Untersuchungen und Reflexionen. Grossformatige Zeichnungen mit einfachen, geometrischen Strukturen zeigen die abstrakten Portraits seiner selbstgewählten und temporären Familie in Istanbul. Auf überraschende und wundersame Weise korrespondieren die an arabische Kalligrafie erinnernden Papierarbeiten mit der üppigen Architektur des Festsaales. Aus dem Gedanken, die Familienmitglieder zu jeder Zeit selbst zu wählen, und aus der Überlegung, dass eine objektive Erfassung und Darstellung des Individuums nicht möglich ist, entwickelte Pascal Robert ein künstlerisches Konzept, bei dem subjektive Empfindungen und emotionale Beziehungen die abstrakten Bildkompositionen bestimmen. Jetzt wird klar, dass das eigene Ich als Ausgangspunkt und als Massstab für die abstrakten Interpretationen von lebenden Individuen dient und die Gesellschaft und das Individuum unwiderruflich in gegenseitiger Wechselwirkung stehen.

Oliver Orest Tschirky

Annoncment of the first international Kempinski Fellow in visual arts for Istanbul and Berlin
Hotel Adlon, Berlin. March 25th, 2010
Author: Pascal Robert

My dear Guest, my dear Friends,

I have just returned from New York, and I feel that this journey is the final step of my Kempinski Art Prize.

Everything began 8 years ago in Geneva, when I started my studies at the Art Academy. In parallel to my studies I held several jobs working for public and private art institutions but also pursuing my own art practice. While this was an enriching period in my life, I understood the physical and mental limits of this situation. I realized that I had to make some determined choices in my life, in order to fulfill my demands as an artist, to explore life and understand the world through my own art practice.

Last July, while I was in France on vacation, I got a call from my mentor, David Galloway to say that he had nominated me for the First International Kempinski Fellowship in Visual Arts and two weeks later he informed me that I had been accepted.

Soon after that, I met Mrs. Marylea Van Daalen, and we discussed the destinations of my fellowship: Istanbul and Berlin. It was like a dream come true! It seems as though Istanbul was meant to be a part of my artist’s destiny. My great-grandfather had lived most of his life in that city as a textile trader. Furthermore, Istanbul was to be European Capital of Culture in 2010, and also the rich cultural history of the region appealed to me because of its links to the East and the West.

In October I arrived in Istanbul, and was welcomed with extraordinary warmth and generosity in the Ciragan Palace.

I would like to take this opportunity to thank Mr. Henri Blin, the CEO of this hotel and all the wonderful people of the hotel who made this experience possible. They also organized a large studio space at the Kadirga Art Center, in the heart of the Fathi district, close to the Blue Mosque. Thanks to these arrangements, I was introduced to the contemporary Istanbul art scene, to Mrs. Beral Madra, the artistic director of Istanbul, Capital of Culture 2010 and former director of the Istanbul Biennial, to acclaimed international artists such as Sophie Calle, Antoni Muntadas and Victor Burgin, Peter Kogler, Remo Salvadori all of whom were invited for residencies at the time. I was even lucky enough to have my own assistant, Mr. Burcak Konukman at Kadirga Art Center which became a close friend of mine.

My involvement in this art center has also led me to teach a class on “How to draw life” to 6-year old children. All of these relationships contributed to strengthening my vision and my approach to portraiture and sharpen my diagnostic view on Istanbul’s society.

In addition to these wonderful experiences within the Istanbul art scene, I feel very lucky to have had the chance to experience the aura of this stunning, huge and adventurous city on the Bosphorus. I will never forget the prayers that were chanted five times a day; the view onto the blue Bosphorus, displaying dozens of ships crossing from the Marmara sea to the Black sea; the millions of people walking on the Istiklal street between Taksim Square and Tünel district every day and every night; all the patterns of the rugs and fabrics; the ceramic ornaments in the Mosques and especially the architecture. All of this influenced my artistic practice and has been an integral part of how I lived with the aid of a Kempinski Fellowship.

After 6 weeks in Istanbul, I was very grateful to have the opportunity to show my work in a solo exhibition at the Ciragan Palace and to have access to the country’s foremost reporters. Thanks to the outstanding organization of the Kempinski Fellowship, my work reached over a million readers, and through this I hope to have contributed to Istanbul’s cultural life in exchange for everything the city and community has given me.

In November, my fellowship continued in a new city, Berlin. I stayed in the historic Adlon Hotel and was given access to a fantastic studio space in Prenzlauerberg, where I finished the portraits I had started in Istanbul. These were expanded through a video installation and performance. This work culminated in a show, called “Shapes of Existence”, presented in the Adlon’s opulent Ballsaal.

Well, but what are these “Shapes of Existence” and what do they mean to me? The essence of my work focusses on the construction of an individual’s personal identity, employing a cosmological approach. I am continually fascinated by the confrontation with an enduring, static and historically-charged form like that of the “portrait”. I ask myself how I as a young artist can approach this historical medium and how I can develop a new, uninhibited point of view that moves beyond tradition. The images you see around you are such portraits: members of my temporary family in Istanbul and Berlin, which are the result of a relationship between myself and the person depicted, in the form of energy and abstract narration.

The Kempinski fellowship allowed me to discover the adventurous life of the artist in a new environment, immersed in the unknown. This is something that I have chosen to pursue now on my own, by moving to another yet great city: New York. There I have continued to explore the ideas I developed in Istanbul and Berlin. I hope that many more young emerging artists after me will have a similar chance to push beyond their horizons in search of inspiration.

Before saying goodbye, I would like once more to thank the following people:

Mr. Reto Wittwer, CEO of Kempinski worldwide
Mr. Duncan O’Rourke, COO of Kempinski
Mr. Markus Semer, CFO of Kempinski
All of the people involved in Istanbul and Berlin, especially Mrs. Marylea Van Daalen
Mr. Burcak Konukman, my friend and assistant in Istanbul
Ms. Annemarie Allemann
Ms. Justine Durrett of the David Zwirner Gallery in New York for her dedication in translating this speech.
Mr. Oliver Orest Tschirky, former Associate Director of ArtBasel and ArtBasel Miami Beach for his text to my exhibition “Shapes of existence”.
And most of all David Galloway, my mentor, for supporting me as a young artist and for believing in me.

And I thank you all of you for being here tonight and hope to inspire you and lift all hearts!

“I am by birth a Genevese”, Vegas Gallery, London (UK)/ Espace Forde, Geneva (CH)
Group show, June 18 – July 12, 2009
Author: Melanie Moreau

Vegas Gallery is pleased to present ‘I am by birth a Genevese’ , an installation project imagined by Swiss artist Alexandre Bianchini and French/Swiss artist Pascal Rousson to re-enact the strange atmosphere of Doctor Frankenstein’s laboratory and generate a new art work, a new creature. Made of several and diverse works, purposely clashing with each other, their creation will only been revealed on the evening of the preview.

More than 160 artists have accepted their invitation, and if the majority of the works are not particularly shocking, most of them thrive on the idea of weirdness, or possess an inner weirdness (either by the medium, process, or subject used within the work), and their relation to the theme will make sense when displayed altogether. Following Frankenstein’s experience, each work being a metaphor of the scavenged body parts used to conceive the Creature, they were interested to produce an installation, a creature, made out of very eclectic works, in order to create a visual surprise, looking to see if coherence will appear within the accident and the apparent disaster. It also allows them to play with the popular conception of the artist who depicts him as possessed, literally occupied by an inspired spirit that creates and self-destructs.
Both Alexandre Bianchini and Pascal Rousson practices thrive already on the understanding of the nature of art and artist: sourcing and then manipulating their material surroundings, they play with the idea of facades, stage or theatre, and present artists as self-mythologizing thieves of ideas and images. Their practices highlight the social framework conditions within which the artists’ personal relationships are developed, and the inevitability of citations in a post-modernist world who questions the model of artistic imagination and the loss of meaning of images. In this instance, the parallel with the theme of Frankenstein came to them naturally, through the notions of creation, invention and imagination, present within any artistic practice.
This project questions also the different way of exhibiting artworks, through the tradition of Salons and Cabinets of Curiosities, who used to be the only places where art works where exhibited and without curatorial approach. In this instance, the installation can be seen as a critic and metaphor for the role of museum curator, seen as a fake god who tries, through new arrangement and themes, to create a new meaning for works which are fading away trapped in those graves for contemporary art. By opposition, Alexandre Bianchini and Pascal Rousson wish to conduct experimentation, stressing on the visual result rather than a theme: the theme is merely a pretext for the visual clash and experience.
By the juxtaposition of various works within the installation, and their status as parts of a larger whole rather than as self-contained pictorial objects, the installation challenges the concept of art and artists as singular entities, as well as the art’s dissident vision of itself.

Ms. Melanie Moreau

Artists:John Armleder, Dragan Aleksic, Emil Anderfuhren, Solvej Dufour Andersen, Omar Ba, Alex Baladi, Francis Baudevin, Pierre Belouin, Ben Vautier, Jacob Benjama, Sophie Caroline Bernhard, Donatella Bernardi, Alexandre Bianchini, Vanessa Bianchini, Pierre Bismuth, Christian Billi, Vanessa Billy, Jean-Luc Blanc, Michel Blazy, Amie Bolissian, Kim Seob Boninsegni, Jacques Bonnard, Thomas Bonny, Laurence Bonvin, Olaf Breuning, Tarramo Broennimann, Marc Calame, Frank Capra, Bettina Carl, Adrien Chevalley, Fabien Clerc, Genevieve Closuit, Claudia Comte, Jean Crotti, Charles Cuccu, Richard Decaillet, Pascal Decaillet, Fouad Dumontier, Hadrien Dussoix, Saskia Edens, Phillippe d Eliopoulos, Anne-Sophie Estoppey, Chris Faria, Joseph Farine, Fred Favre, Estelle Ferreira, Joelle Flumet, Toby Frankenstein, David Fryer, Christopher Fullemann, Francesca Gabbiani, Thomas Galler, Aurelien Gamboni, Anne Gast, Gerber & Gerber, Olivier Genoud, Stephen Gill, Geraldine Gliubislavich, Clare Goodwin, Christian Gonzenbach, Alois Godinat, Christian Graser, Wade Guyton, Fabrice Gygi,Herve Graumann, Alex Hanimann, Alain Huck, Richard Hoeck, David Hominal, Robert Irelande, Francois Jeannin, Alexandre Joly, Raphael Julliard, Carl June, Nicole Hassler, Heringa / Van Kalsbeek, Gauthier Huber, Alex Hudson, Greg Hug, Francois Jeannin, Fabio Jaramillo, Julien Kaeser, San Keller, Thomas Koenig, Andreas Kressig, Isamu Krieger, Elke Krystufek, Sarah Lis, Balthazar Lovay, Brighid Lowe, Urs Lüthi, Christian Marclay, Angela Marzullo, Stephen McDonald, Jeff McMillan, Merlu,John Miller, Valentina Mirkovic dos Santos, Christian Moeller, David Monnet, Elena Montesinos, Lucia More, Claudio Moser, Olivier Mosset, Gianni Motti, Melodie Mousset, Paul Noble, Karim Noureldin,Amy O´Neill, Tim Phillips, Matthieu Pilloud, Beatriz Pedrera, Mai-Thu Perret, Gianmose Petazzi, Marie-France Perret-Gentil, MR Magic , Charlemagne Palestine, Steven Parrino, Valentina Pini,Walter Pfeiffer, Yann Leopold Popper, Laure Prouvost, Theodora Quiriconi, Richard Le Quellec, Adam Rabinowitz, Gerald Rast, Helge Reumann, Christophe Rey, Nicolas Rieben, Riond, Xavier Robel, Anne Rochat, Pascal Robert, Sylvie Rodriguez, Sandra Roth, Pascal Rousson, Daniel Ruggiero, Eddie Ruscha, Christophe Rutimann, Aline Saigne, Djonam Saltani, Rebecca Sauvin, Pierre Schwerzmann, Francesca Serra, Peter Stoffel, Marion Tampon-Lajarriette, John Tremblay, Gabriel Truan, James Unsworth, Nicolas Vagnieres, Benjamin Valenza, Ilan Vanbros, Marie Velardi, Jean-Luc Verna, Sandrine Viscomi, Morten Viskum, Jean-Philippe Volonter, Nicolas Wagnieres, Patrick Weidmann, Simon Willems, Barbara Yvelin, Olivier Zimermann, Zorro & Bernardo

'I am by birth a Genevese' 1

Opening reception at Vegas Gallery, London (UK) on June 18, 2009


F. Hoffmann-LaRoche Art Collection, Basel (CH)
Pascal Robert – abstract portraits, September 3, 2009
Author: Ms. Cornelia-Dietsch Schmid, director Hoffmann-LaRoche Collection, Basel

Liebe kunstinteressierte Gäste,

In Zeiten von „shifting identities“ darf man gespannt sein, wie sich ein junger Künstler der eher statischen,  altgedienten und historisch aufgeladenen Gattung  ”Porträt“ nähern mag. Man könnte vorerst meinen, Porträts seien auf Ähnlichkeit, Wiedererkennbarkeit und Stellvertretung hin angelegt. Bis ins 19. Jahrhundert hinein war dem jedenfalls so. Mit der Erfindung und Möglichkeit der Porträtfotografie hat sich auf dem Gebiet der bildenden Kunst aber gleichzeitig ein diametral entgegengesetzter Weg abgezeichnet. Die abzubildenden Personen scheinen sich mit zunehmendem Abstraktionsprozess wieder von der naturalistischen Wirklichkeit zu entfernen. Ein Grund hierfür mag der seit dem 20. Jahrhundert veränderte, und nun zusehends fragmentierte Blick auf das Individuum sein. Spätestens seit Rimbaud ist „Ich ein anderer“.

Die gezeichneten Porträts von Pascal Robert sehen auf’s Erste von Eigenschaften wie Ähnlichkeit und Wiedererkennbarkeit  ab. Trotzdem handelt es sich bei seinen grossformatigen Zeichnungen um Porträts realer Personen. Sie erheben allesamt den Anspruch,  Persönlichkeiten abzubilden. Dabei folgen die Bilder keinen naturalistischen oder fotogetreuen Vorgaben. Unsere „drifting experience“ verlangt schliesslich nicht bloss nach Identitätsfindung, sondern nach einem komplexen Identitätskonzept. Der Kunstkritiker Oliver Orest Tschirky hat die Bildnisse von Pascal Robert umschrieben mit  „Abstrakte Portraits als Topographien der Persönlichkeit“. Frei übersetzt geht es ihm somit um die abstrakte Vermessung von Existenz.
Bei den grossformatigen Zeichnungen lassen sich zwei Gruppen ausmachen: die tendenziell vertikal konstruierten „weissen“ Porträts und die horizontal aufgebauten „schwarzen“ Blackouts. Beide Gruppen tragen im Titel genaue Namen, Clara Hergenröder, Jérémy Chevalier, Hans Flückiger, David Galloway, Betty Stäubli. Es sind tatsächlich keine fiktiven Personen, sondern Menschen, die Pascal Robert kannte und kennt. In einer intensiven Auseinandersetzung mit der darzustellenden Person entwickelt der Künstler eine streng geometrische, reduzierte Zeichensprache, die dem Wesen der porträtierten Person aus einer subjektiven Sicht des Künstlers entspricht. Den reduzierten Strukturen voraus, gehen unzählige Skizzen und Entwürfe.

Zitat Tschirky: „Bei den Porträts handelt es sich um Abbildungen von subjektiven Wahrnehmungen und Empfindungen. Pascal Robert abstrahiert und konkretisiert gleichermassen die menschliche Existenz, die Wahrnehmung über andere sowie sich selbst in einer Art Collage aus geometrischen Strukturen.“
Porträts haben unterschwellig einen memorialen Charakter. Verstärkt wird diese Eigenschaft bei den schwarzen Blackout Bildern insofern, da es sich um Darstellungen verstorbener Personen handelt. Akkurat kalligrafische Zeichen verbinden sich zu einer flächendeckenden Textur. Es ist, als schriebe der Künstler einen zusammengefassten, handschriftlichen Brief über das Leben der verstorbenen Person. Von einer ganz anderen Dynamik leben die weissen Porträts. Sie verströmen eine kraftvolle Präsenz, die aus der exakten Setzung schwarzer Linien und einer prägnanten Flächenkomposition resultiert. Die abstrahiert  reduzierten  Angaben reichen aus, um in unserer Vorstellung den Film über Wesen und Art der dargestellten Person in Gang zu bringen.

Wie nähert sich ein junger Künstler einer historischen Gattung? Wie kann er einen neuen, unverstellten Blick entwickeln und Altes überwinden? Robert Rauschenberg radierte als 28 jähriger eine Meisterzeichnung von Willem de Kooning aus und bezeichnete dieses Vorgehen nicht etwa als destruktiven Vandalenakt, sondern als Poesie. – Von einer Poesie der Aussparung oder Übermalung des Wesentlichen könnte man ebenfalls bei den kleinformatigen Porträts von Pascal Robert sprechen.
Shifting identities, drifting spaces, Eindeutigkeit lässt sich nicht finden. Die Porträts ohne Gesicht lassen offen bis zur abstrakt leeren Fläche. Oder sie verhüllen halbtransparent und lassen Gesichtszüge nur erahnen. An den kleinformatigen, mit architektonisch anmutenden Versatzstücken überzeichneten Porträts lässt sich ablesen, wie konditioniert unser Blick durch Film, Fernsehen und Stars geworden ist. Eine Haarsträhne genügt und wir ergänzen das bekannte Gesicht des Stars von selbst. Wir treffen in dieser Ausstellung unterschiedliche Porträttypen. Die kleinformatigen Porträts entstammen nicht dem persönlichen Bekanntenkreis, sondern dem kollektiven Gedächtnis von Schauspielern und Stars aus der Filmgeschichte. Bei den neusten Arbeiten kommt sogar die letzte Spur von Erkennbarkeit  abhanden, anonyme Porträts. Das entpersonalisierte Porträt, ein Paradox?
Pascal Robert schafft Porträts, welche die mäandernden und vieldimensionalen Persönlichkeitsstrukturen auf Wesentliches reduzieren und dennoch beredt von ihnen erzählen. Narrative Abstraktion lautet eine Bezeichnung, die der Genfer Kunstszene entstammt. Narrative Abstraktion, wiederholt ein Paradox? Pascal Roberts Porträts entstehen in Zeiten der „shifting identities“, eindimensionale Abbildungsversuche waren früher. Pascal Robert führt seine Werkzeuge mit grosser Sicherheit, äusserst präzise. Ein einziger Ausrutscher würde genügen und die Zeichnung wäre unbrauchbar. Achtsam gesetzt sind auch die Bild-Nachbarschaften der Ausstellung. Angestrebt wird ein Dialog der Porträtierten untereinander. Explizit ausgeführt wird dieser konzeptuelle Ansatz mit der Arbeit „famille choisie“ aus dem Jahr 2007 (nicht ausgestellt). Bei dieser Arbeit wird eine temporäre Familie konstruiert, indem die Porträtierten zu einer (diesmal) fiktiven Familie vereint werden.

Pascal Robert wurde 1978 in Bern geboren, von 2001 – 2007 absolvierte er die Haute école d’art et de design in Genf, wo er heute auch lebt. In der Welschen Schweiz mag man den jungen Künstler bereits etwas kennen. In der Deutschschweiz kann er noch entdeckt werden. Die Ausstellungsplattform bei der F. Hoffmann-La Roche AG soll ein Sprungbrett in neue Regionen darstellen und ein wichtiges Statement einer jungen Kunstposition nach Basel holen, um einen produktiven Dialog anzuregen. Den Mitarbeitenden bietet sich die Möglichkeit, sich auf die Herausforderung durch zeitgenössische Kunst einzulassen, dies als Bereicherung und Förderung einer gelebten Innovationskultur. Es ist uns hier immer wieder ein Anliegen, Positionen zu zeigen, die sich abheben und auszeichnen. Junge Kunst wird zurzeit in grosser Fülle produziert, dabei das zu finden, was wir suchen, benötigt offene Kanäle in jeder Hinsicht. Deshalb möchte ich mich dieses Mal ganz besonders bei meinem Mitarbeiter Philipp Mohler bedanken, welcher den Erstkontakt zu Pascal Robert vermittelt hat.

Ich danke Ihnen allen für Ihr Interesse und Ihre Aufmerksamkeit und darf Sie gleichzeitig zu unserem Apérobuffet einladen.

Cornelia Dietschi, September 2008

“Topographies of the self”, September 2008
Author: Oliver Orest Tschirky, art critic, independent curator  and former associate director of ArtBasel and
ArtBasel Miami Beach

Pascal Robert’s abstract, large-format monochrome drawings are all portraits of real people. By entering into an intensive “dialogue” with the individuals depicted, and using countless sketches and drafts, the artist develops a reduced code of colours and forms which mirrors the subject of the piece in narrative abstraction. Pascal Robert picks up on human existence and our interpretations of others and ourselves, and makes them abstract and concrete in equal measure in a kind of collage of geometric structures. The peaceful and sublime nature of East Asian landscape painting and calligraphy is inherent in all the pieces while at the same time they possess dramatic expressivity.

Pascal Robert at Ex-Machina, Geneva (CH), October 2008
Author: Oliver Orest Tschirky, art critic, independent curator and former Associate Director of ArtBasel and
ArtBasel Miami Beach

Following in the Geneva tradition of narrative abstraction, HEAD (Geneva University of Art and Design) graduate Pascal Robert speaks in minimalist philosophical terms of the confrontation between modern architecture and the individual.

The gallery window is covered entirely with an English language text on the union of all art forms. The hand-written citation is taken from Piet Mondrian’s essays “The New Plastic in Painting” and the text is at once both formally ornamental and criss-crossing. As you enter the new Galerie Ex-Machina in Geneva, you are immediately confronted by a monumental collage and a series of small-format works following the same principle: black and white portrait photographs of elegant ladies from the 1930s and 40s are partly covered over by white sheets of paper in the form of precisely aligned, geometrical structures,  principally rectangles. Through the individual works and, indeed, through the presentation of the exhibition itself, Pascal Robert has, by adding space and by removing it, taken a stance on the relationship between modern architecture and the individual, between abstraction and individuality.

Anyone acquainted with the artist’s previous work will be familiar with his abstract portraits or self-selected, time-limited families. In this project, he removes from the photographs the very depth which is added by the surfaces affixed above them. Drawing on an essential formal element of modern abstract art, he effectively cancels out pictorial space. At the same time, the fact that he conceals individual facial traits leads to the loss of individual identities in the people portrayed and thus to their becoming anonymous, reducing them to an existence that is detached from the individual. Alongside hints at the triumph of perfect forms over nature, hints at our incapacity to grasp the essence of man, and hints at the power and effectiveness of art, these works present a utopian redefinition of human portrayal. And wherever the observer interacts with the pictures, he fulfils the demands of the De-Stijl architects, of Mondrian’s Neoplasticism and of Theo van Doesburg’s Elementarism: man as man must stand in and of himself at the centre of the spatial action.

Basler Zeitung (CH), June 26, 2008 (page 19)
“Wo der Juni schon im Mai begann – Mit der Laleh June Galerie eröffnet ein neuer Ort für Kunst in Basel”
Author: Daniel Morgenthaler, journalist, Zurich

DANIEL MORGENTHALER . Die gebürtige Iranerin Laleh Bazargan Harandi hat sich mit der Laleh June Galerie einen seit fünf Jahren gehegten Traum erfüllt: Ein edles Gefäss für ihren bevorzugten schweizerisch-iranischen Kunstcocktail.

Gegenübergestellt wurde im Ausstellungsbetrieb schon genug, jetzt ist Durcheinanderbringen dran: Die 30-jährige Iran-Schweizerin Laleh Bazargan Harandi jedenfalls bringt mit ihrer neu eröffneten Galerie einiges durcheinander. Das fängt bei den Monaten an: “June begins May 29” heisst die Eröffnungsausstellung. “Wie sich der Titel nicht um den Unterschied zwischen Mai und Juni kümmert, habe ich auch bei der Werkauswahl keine Differezen gescheut”, erklärt die studierte Oekonomin. So sind Arbeiten in verschiedensten Medien, von Künstlern verschiedenster Herkunft zu sehen.

Der Berner  Pascal Robert etwa produziert etwas, das in der Kunstgeschichte in dieser Radikalität kaum Entsprechungen hat: Abstrakte Portraits. Die groben Pinselstriche auf seinem “Portrait Ursula Achternkamp” entpuppen sich bei genauerem Hinsehen als Ansammlungen von feinen Chinatinte-Linien. Zusätzlich durcheinandergebracht wird man durch das Fehlen einer ersichtlichen Schnittmenge, die sonst Porträt und reale Ursulas verbindet; hier bleibt sie anregend rätselhaft.

Kyrgyzstan National TV (March 25, 2008)
“Utopie des Raums”, Kyrgyz National Museum of Fine Arts, Bishkek (KG)
Exhibition: March 25 – April 10, 2008


“Pascal Robert – des portraits abstraits comme topographie de la personnalité”
Author: Oliver Orest Tschirky, independent curator and art critic and former Associate Director of ArtBasel and ArtBasel Miami Beach

Abstraits, monochromes et de grand formats, les dessins de Pascal Robert sont des portraits de personnes existantes. Par une étude approfondie des individus représentés, et à l’aide d’innombrables ébauches et esquisses, l’artiste a développé un langage minimal de couleurs et de formes, reflet de personnalités propres. La matérialisation de ses modèles ne prétend pas à une réalité objective, au contraire, ces images sont une interprétation personnelle. Les portraits sont ainsi des représentations d’impressions et de sentiments subjectifs. Pascal Robert abstrait et concrétise l’existence humaine, la perception des autres, comme la sienne, en un collage aux structures géométriques. Malgré les formes abstraites, les contours nets, et la part contrôlée du hasard, les dessins apparaissent juste, poétique, et sensible.

Les personnes représentées font partie d’une famille fictive et temporaire. Par l’accrochage précis et la disposition des travaux dans l’espace, la naissance d’une nouvelle unité apparente l’ensemble à une installation d’œuvre d’art total. A la manière des peintures de paysages et de la caligraphie orientale, les œuvres laissent calme et sublime s’en échapper tout en partageant, par leur expressivité dramatique, des similitudes avec les “Shelter Sketches” de Henry Moore, les portraits d’Alberto Giacometti, ou encore les “Dessins d’insomnie” de Louise Bourgeois.

Dans de précédents travaux, Pascal Robert avait déjà exploré des questions sémantiques, phénoménologiques, et existentielles: ses aquarelles (“Sans titre (autoportaits)”, 2001) thématisent, au moyen de grandes surfaces abstraites et colorées, ses états d’âme au même titre que son travail et sa vie artistique. Symbole de la pensée humaine, l’artiste a par ailleurs fabriqué avec du carton, des constructions praticables à l’échelle d’une pièce (“Sans titre (espaces intérieurs)”, 2002) dans lesquels des artistes sénégalais habitaient temporairement. Enfin, il a recomposé par fragments des curriculum vitae standards, empruntés à des artistes établis, afin d’examiner les conséquences de nos décisions personnelles sur le cours de notre existence (“Sans titre (modèle pour l’analyse de construction des identités sociales au travers de la rhétorique du curriculum vitae)”, 2007).

Dans ce sens, les œuvres de Pascal Robert se concentrent non seulement sur une nouvelle interprétation du dessin et du portrait, mais se situent également dans le prolongement de la caligraphie, de la peinture de paysage, et de l’abstraction narrative, caractéristiques par moments de la création artistique genevoise. 12/2007

Oliver Orest Tschirky est critique d’art indépendant et commissaire d’exposition

Traduction: Aline Guberan, critique d’art indépendante, Lausanne

HEAD (Haute Ecole d’Art et de Design Genève, Suisse), – Diploma Catalogue, 2007 (pages 180 – 182)


“Marcher, penser, dessiner et…s’associer”
Kunstbulletin, 4/ 2004, ‘l’esba’ (pages 42-43)
Author: Gauthier Huber, Geneva/ Neuchâtel (CH)

L’Ecole supérieure des beaux-arts de Genève attend d’accéder au nouveau statut de Hauté Ecole Spécialisée. Mais la créativité n’attend pas. Sous l’impulsion de trois professeurs et d’artistes invités, une trentaine d’étudiants, dans le cadre de workshops thématiques, ont travaillé sur les notions toujours actuelles d’environnement, d’objet, de territoire. Ils livrent le résultat de leurs investigations en trois expositions successives.

“L’école d’art offre à l’étudiant un cadre qui lui permet d’oser de nouvelles directions, de se surprendre lui-même, et même faire des erreurs…” relève Jean Stern. Forte de nombreux appuis et relais dans le monde de l’art professionnel, l’esba (head) est en outre la seule école en Suisse à ne former que des artistes (Beaux-arts et cinéma). L’étudiant accède à un enseignement varié, aillant théorie et pratique, et a la possibilité de cumuler les expériences d’atelier. “En faisant appel à des intervenants extérieurs, nous souhaitons stimuler le partage des connaissances”, note Pierre-Alain Zuber. Chaque intervenant définit une ligne de travail, liée à ses propres recherches d’artiste; il supervise les recherches, et expose ensuite quelques travaux en compagnie de ceux des étudiants. Sous le titre “Walking, thinking, drawing…”, Frank Sciarone a souhaité que “…l’imagination des étudiants se porte sur le contexte environnemental actuel”. Le résultat est excellent. Dans les quatres salles d’exposition du sous-sol de l’esba, baptisé “bh9”, Timo Kube a installé une estrade, l’a recouverte d’un tapis d’orient, et y a arrangé un dispositif comprenant un moniteur vidép, un fauteuil (en cuir) et un bloc de béton de la taille d’une table de nuit. Un petit film retrace les incidents consécutifs au maniement de ce dernier en pleine ville de Genève: voiture et mur légèrement… endommagés. Adrienne Scherrer a mis à profit un retour en train jusqu’à son domicile pour prendre quelques clichés du paysage (nocturne), à intervalles réguliers, depuis la banquette de son compartiment. La bonne centaine de vues est présentée sur un support unique, en quadrillages serrés.

Voici un haïku de Claire Goodyear: bus 5/ 2 regards obliques/ 14 manteaux noirs et 3 verts/ 1 beige/ 1 gris. Il y en a pour chaque jour de la semaine, dans de petits papiers pliés blancs.

Pascal Robert, qui présente une vidéo, a posé sa caméra dans l’axe de l’entrée d’un tunnel étroit aux parois blanches. Un jeune homme y court d’un bout à l’autre, sous un éclairage de néon. Des ombres régulières sont projetéés, que l’on voit pourtant diminuer sous l’effet de la perspective. On entend des cloches. A son retour, le jeune homme percute la caméra. Le film s’interrompt.

L’espace “bh9” est géré par les étudiants durant toute la durée des expositions. L’art y est vécu comme une chose naturelle, nécessaire. Des connivences s’établissent, des affinités se révèlent, des projets communs prennent forme. Un petit groupe s’est constitué autour de la revue “airbag”, dont le premier numéro a été édité en mai 2002. Petite explication sur son titre et sa philosophie: “Il est facile de dire que la revue était dans l’air. Ce nouveau courant amène d’autre temps, obligeant une certaine lenteur, voire l’arrêt! Un contresens si l’on pense au rythme toujours plus rapide qu’impose le quotidien jusqu’à se perdre dans accélérateur pour une existence quasi instantanée” (Pascal Favre). La revue s’inscrit parfaitement dans l’esprit d’engagement communautaire propre aux avantgardes èassées. Assisterait-on au 9. boulevard Hélvétique, à quelque retour d’utopie? Gilles Lipovetsky nous met en garde: “L’individualisme postmoderne se branche dans les collectifs, dans des associations, mais toujours selon le principe de l’autonomie personnelle” (“Culture Pub”, entretien avec Nicolas Riou). Il n’en demeure pas moins que les collaborations menées prennent de la consistance, et que les jeunes artistes ayant terminé leurs études à l’esba continuent à se voir, à s’associer.